Арт-Рисунок
Галерея изобразительного искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура...
Картины — Нестеров, Михаил Васильевич
Михаил Васильевич Нестеров картины с описанием.
1862, Уфа – 1942, Москва
Михаил Васильевич Нестеров – русский и советский живописец, мастер монументального искусства, автор историко-религи озных композиций, пейзажей, портретов. Заслуженный деятель искусств РСФСР (1942).
Биография: Нестеров Михаил Васильевич
Рейтинг
КомментарииОценить эту категорию
Рейтинг: 5 / 1 голос
Пожалуйста, оцените эту категорию
Powered by Phoca Gallery
Художественно-исторический музей Арт-Рисунок
Арт сайты
Кто на сайте
Сейчас на сайте 356 гостей и пользователей
|
|
|
|
Комментарии
Нестеров был хорошо знаком с кругом философов. В 1910 году он посещал религиозно-фило софские собрания общества имени В.С. Соловьева. Также художник часто выполнял церковные росписи. До советского периода религиозные картины были важной частью его творчества.
Нестеров написал цикл картин, посвященные жизни преподобного Сергия Радонежского. Сергий Радонежский, в Варфоломейском мире, был основателем Троице-Сергиева монастыря в Сергиевом посаде, а также являлся его игуменом. Русские религиозные философы считали Троице-Сергиев монастырь, местом средоточия русской духовности.
Лучшей работой, которая была посвящена выдающемуся деятелю православной церкви, была признана картина Видение отроку Варфоломею». Фигурку молодого пастушка Нестеров писал с натуры. Ему позировала девочка из деревни Комякино.
Когда художник увидел девчушку лет 9, короткострижену ю, с большими, удивленными, голубыми глазами, немного болезненного вида, он сразу понял, что это находка для его отрока Варфоломея. Также в деревне Абрамцеве, Нестеров нарисовал пейзаж для своей картины.
Создавая облик чудесного видения, художник стремился передать как можно больше исторической подлинности. Другими словами создать такой образ, который бы воспринимался как реальный герой, настоящий отрок Варфоломей. И у него это получилось благодаря ландшафту и убедительной фигурки отрока.
В самом пейзаже нет ничего таинственного. На дальнем плане можно даже увидеть огород с капустой. Фигурка монаха максимально приближенна к стволу старого дуба, для того чтобы сосредоточить все наше внимание на мальчике. По выражению лица и благоговейной позы можно понять, что в душе юноши происходит чудо.
Нестеров входил в местный Абрамцевский кружок, который находился в имении мецената Мамонтова. Там он много узнавал об истории, бытовом укладе жизни и старой культуре древней Руси.
Если вы читали рассказы Чехова, вам обязательно покажется очень интересной картина его брата. Ванька Жуков, писавший письмо своему дедушке, существовал лишь в нашем воображении.
Теперь он оживает и обретает вполне живые черты. Сразу предельно ясно, о чем он писал в своем письме деду. Он не просто жалуется на свою тяжелую жизнь. Можно прочесть настоящие чувства героя и понять его жизнь.
Ваня на картине гармонично дополняет созданный Чеховым литературный образ. Мы видим десятилетнего мальчика. В столь юном возрасте его отправляют учиться на сапожника. С этого времени он начинает познавать мир с его обратной стороны. Жизнь становится практически невыносимой.
Мальчик слышит лишь угрозы, его постоянно бьют. Вполне вероятно, что учитель сам когда-то жил в абсолютно таких же условиях. Именно эти трепки и стали причиной того, что он забыл о том, что в мире есть место доброте и милосердию. Ему не дано понять, что не все могут постоянно выдерживать подобное отношение. Ваня тоже не в силах больше это терпеть, и просит деда обязательно забрать его.
Живописцу удается создать действительно живой образ мальчика. Мы видим большой картуз, который сильно нахлобучен на голову героя. Одежда попросту велика ему. Но при этом мы видим, что она действительно опрятная. Ванька привык уже постоянно трудится с раннего детства. Он привык приводить себя в порядок сам и это похвально.
Художник сосредотачивает наше внимание на взгляде героя. На лице его можно прочесть полную тоску и полную обреченность. Мы ощущаем, что он сильно соскучился по своей родной деревне, любимому деду и всей прошлой жизни. Он не плачет, так как разучился уже делать это. Ваньке пришлось повзрослеть слишком рано. Он обреченно смотрит на мир.
Чехов передает свою особую любовь к герою с помощью особых деталей внешности мальчика, цветов в одежде. Нам невольно передается такое отношение. Мы проникаемся особой симпатией к Ваньке.
«Христова невеста» — первая из картин Нестерова, которую он считал той работой, которая открыла ему творческий путь. В ней в первой, отразились и живая душа, и страдание, и идея — все то, без чего нет подлинного искусства. Создана она была при грустных для художника обстоятельствах . Умерла его жена Мария, ей было всего двадцать пять лет. Убитый горем, Нестеров взялся писать «Христову невесту», наделив её лицом покойной жены, и такие образом выплеснул на холст свое горе. Получилась живая, дышащая, трогающая за самую душу картина.
Христовыми невестами называли монахинь из-за обета воздержания. Не принадлежа ни одному земному мужчине, каждая монахиня принадлежала Господу и потому должна была сохранять чистоту и непорочность. На картине изображена девушка в таком платье, какое носили старообрядцы. Темное, строгое, оно сидит по фигуре, белая рубашка с длинным рукавом прячет руки, а платок, расшитый синим узором, шею и волосы. Живет только лицо — с тонкими чертами, строгое, святое. По нему видно, что основная жизнь девушки проходит в другом мире. найдя голос
Бога в природе вокруг себя и в самой себе, она больше не нуждается в примитивных забавах мира. Её сверстницы выходят замуж, нянчат детишек, гадают на Святки, пекут пироги и водят хороводы с песнями, тягучими и высокими. Она же, удалившись в монастырь, больше не интересуется всем этим. У неё не будет ни мужа, ни детей. Яркие бусы, жемчужные серьги, расшитые сарафаны больше не про неё. Затворившись внутри себя самой, обратив взгляд на Бога, она поглощена этим занятием.
Христова невеста проживает жизнь именно так. В гармонии и мире, за простой работой, в помощи людям. Страсти и боль проходят мимо неё, оставляя её равнодушной. Грешные желания умирают, не родившись, и так легко представить, как она встает и прямо в своем синем сарафане восходит на небо.
Нестеров – русский художник-передв ижник, из тех, кто, предчувствуя назревающее в стране недовольство и его разрешение (как гроза разрешается громом, так и народный гнев должен переродиться в революцию) писал предостерегающи е, полные скрытого смысла картины.
В них показывалась жизнь простого народа, его горести и беды. Словно желая отрезвить искусством зарвавшихся власть имущих, художники почти кричали, но выставки их не пользовались успехом и никого ни к чему так и не с подвигли сами по себе.
Нестеров – мастер исторического портрета, в своих картинах показывавший прошлое народа, ценное, несмотря на очевидное к нему презрение со стороны тех, кто считал себя людьми просвещенными и образованными.
«Пионы» для него нетипичны, потому что на них нет ни призыва, ни осмысления, ни скорби – они как будто отдых между серьезными, тяжелыми работами, обращение внимания на обычную, повседневную жизнь земли. Куст пионов ярко цветет на пригорке.
Над ним покачивается от ветерка тоненькая березка, другие в отдалении чуть толще, но тоже вряд ли толще руки взрослого мужчины. Обычный летний день русской природы, лишенный людей.
Цветы покачивают бутонами, мелкие насекомые кружатся над ними, ветер играет в березовой рощице, и над миром царит жаркий полдень, томный и тихий. Словно силой отвлекая себя от человеческой борьбы и человеческих судеб, художник изображает максимально простой пейзаж. Напоминает и себе, и зрителю – да, люди есть и людям бывает плохо. Но как бы ни было им тяжело, как бы ни были искорежены их судьбы, продолжают цвести пионы и продолжает восходить и заходить солнце.
Иногда, какой бы ни была кровопролитной борьба, какими бы ни были блещущими идеалы, нужно так отвлечься и взглянуть на миг вокруг себя. Выдохнуть. Вдохнуть. И снова двинуться вперед.
«Портрет Павлова» имеет две версии. Первая из них вышла в свет в 1930-омгоду, вторая (о которой и пойдет речь) в 1935-ом. Вторая версия получила наибольшее признание, вследствие чего была направлена в Третьяковскую галерею.
Нестеров рисовал картины на различные темы. Но большое внимание уделял религии. Он работал во многих монастырях, что повлияло на его преследование со стороны советской власти. После того, как его выпустили, художник переключился на написание портретов. Он не делал их на заказ. И рисовал только своих близких друзей. Одним из них не посчастливилось быть академику Павлову.
Друзья долго уговаривали художника нарисовать портрет Павлова, но Нестеров всячески отказывался. Он не видел смысла в запечатлении этого человека. Но еще больше не считал себя настолько профессиональны м, чтобы перейти на такой уровень.
Тем не менее, в 1930 году уговоры взяли свое. Нестеров переехал в Ленинград, чтобы нарисовать академика. Павлов сидел у себя на веранде своего дома в момент написания картины. Стоял жаркий летний день. На веранде было свежо.
Академик безмятежно сидит за столом и смотрит куда-то вдаль. Это немного противоречило его действительному образу. Ведь Павлов, как писал позже художник, отличался неусидчивостью, энергичностью и хорошим чувством юмора.
После этого события, художник и академик подружились, и Нестеров потом частенько бывал в доме Павлова. За следующие несколько лет художник написал целый ряд портретов, что привело его к мысли создания нового холста с изображением академика.
На этот раз Павлов позировал художнику всего по два часа утром. Для лучшего эффекта, академик вел беседу с одним из своих сотрудников в момент написания картины. Так его образ вышел четче и ближе к реальности.
История знаменитой картины «За Волгой» художника Нестерова очень интересна. Созданное в 1905 году великолепное полотно приобрел коллекционер из Астрахани П.М. Догадин. После этого произведение искусства выставлялось в Санкт-Петербург е, в Москве, в Астрахани, а также в музеях Китая.
Михаил Нестеров как художник формировался под влиянием таких именитых художников, как Алексей Саврасов и Василий Перов. Следовательно, будучи прилежным учеником, в картине «За Волгой» мастер живописи показывает изменения в жанровой тематике художника, когда особую роль отводят пейзажу.
Социальные темы, которые были свойственны картинам XIX века, постепенно отходят на второй план. Все задачи по выявлению сокровенных эмоций возлагаются лишь на пейзаж, именно он вызывает колебания настроений. Подобное изображение природы позволило автору отказаться от детализации. Сохраняется лишь общее содержание того, что он хотел поведать.
Какого-то сюжетного начала в картине нет. Нашему взору сразу открывается с высочайшего берега плес Волги-реки. Вся композиция выстраивается на ярковыраженном параллелизме фигур и пейзажных деталей. Так, уверенному в себе мужскому силуэту, что возвышается над простором, соответствует активный изгиб виднеющегося вдали берега и устремленная роспись каравана пароходов.
Изящной фигурке молодой барышне – тоненькая березка на высоком берегу, которая только что покрылась нежными листиками. Мужчина глядит на волжские просторы с равнодушием, он любит только себя, а в глазах женщины – тоска, на губах застыла печаль, и даже маленький букетик цветов в руках как будто замер.
Нестеров с помощью кисти очень точно передал настроение людей. А неброско выполненный пейзаж, очень скупой, только подчеркивает состояние человеческих душ.
1903 – год написания «Молчания». Год, когда Нестеров, долго искавший вдохновения и образов для новой картины, которая должна была называться «Святая Русь», наконец, нашел то, что искал. Его находкой оказался маленький монастырь в сибирской глуши – Соловецкий монастырь.
Жизнь в нем была простая и зачастую тяжелая – весь день посвятить службам не вышло бы даже на большой праздник. «Молимся Богу в лесу, с топором да пилой» — говорили о себе монахи, и смеялись. Весь мир вокруг был для них храмом в отсутствие возможности закрыться от мира в храме настоящем.
Рассвет, тишина над рекой, звери и птицы – все приводило их к мыслям о Боге, о том, как просто и разумно он все устроил, о том, насколько он благ. Молились утром и вечером, за работой и после работы. Уклад их жизни так впечатлил художника, привыкшего к суете городов и совсем другому подходу, что картина родилась быстро.
На ней – белая ночь, потому не видно солнца. Оно прячется за горизонтом, готовое вынырнуть оттуда совсем скоро, и свет его, близкий и рассеянный, заливает склон горы, поросшей лесами. Освещает монастырь, двух монахов в лодках. Их образ повторен, словно репризой – как эхо в лесу они подобны друг другу. Одинаковая поза, черные рясы. Удочки в руках. Не смотря на то, что слева старец, а справа юноша, они похожи друг на друга, ведь наблюдатель лишен возможности заглянуть в их лица.
Это и не нужно. Ведь картина не про людей, а про природу, про храм божий, которым становится целый мир, и в который человек может войти, если будет благоговейно молчать и не рушить то, что досталось ему от Бога. Крупные планы, легкость линий, кажущаяся не проработанность деталей – все служит для того, чтобы создать впечатление умиротворяющей тишины, в которой спрятаны ответы на все вопросы.
Молчание – ключ к ним. Молчи – и услышишь.
Картина художника Михаила Нестерова, получившая название «Соловки», в наши дни представлена в Эрмитаже.
Север привлекал живописца своей пронзительно красивой природой, однако Соловецкий монастырь им был выбран не случайно, потому что тут можно столкнуться и с другого вида красотой – духовной. Вот почему героями его полотен Соловецкого цикла стали, в основном, местные старцы и монахини.
На картине «Соловки» люди изображены как бы издали: старец и монах помоложе сидят в лодке, которая вот-вот достигнет берега на одном из островов. Крупной же изображена белокаменная часовня. Рядом – суетливые чайки, которые уже привыкли к людям на этих берегах. Вторым крупным объектом выступает скалистый остров, кажущийся синим в сумерках. И конечно, бездонное северное небо.
Казалось бы, просто сюжетная живопись, но это ещё и истинный символ веры: часовня на картине словно упирается крестом в золотую солнечную полоску на небе. Человек здесь воспринимается как существо второстепенное, по отношению к Богу, к вере.
Видно, что люди, сидящие в лодке, не мыслят свою жизнь без служения Всевышнему. И это даёт им какую-то необъяснимую уверенность и силу, которая ощущается в позе налегающего на вёсла монаха. Ему и холодное Белое море нипочём, если вся жизнь его посвящена службе. Он знает, что не собьётся с пути истинного, даже если волны начнут бросать лодочку из стороны в сторону…
Именно эти ощущения и искал Михаил Нестеров, отправляясь на Соловки. И судьба ему подарила не только свидание с необычайной природой, пленяющей своей печальной красотой, но и знакомства с местными людьми.
Художник изучал их обычаи, мечтая создать эпохальное полотно «Святая Русь». Но перед этим были написаны не менее прекрасные и гармоничные картины, последняя из которых – «Соловки».
Михаил Васильевич Нестеров относил себя к художникам передвижникам, но личное горе, случившееся с ним на самой заре жизни, привело его к модерну – стилю предусматривающ ему написание картины с элементами сказочных образов. К написанию полотна художник приступил в бытность свою студентом, было ему тогда не более 26 лет, за два года до этого в 1886 году умерла его красавица жена, которую Нестеров любил безмерно, и потому в его женских портретах сквозит некая задумчивая грусть.
Картина изображает тихую лесную поляну, окруженную вековыми деревьями. На поляне стоит деревянный покосившийся домик, из распахнутых дверей которого выглядывает седой, сгорбившийся старик в остроконечной шапке, которую в русских сказках было принято изображать исключительно на голове у колдуна. На бревне возле избушки, утопающей в зелени и цветах сидит одинокая и очень печальная крестьянская девушка.
Платок ее сбился и развязался, руки опущены к коленям, весь образ ее выдает глубокие душевные переживания. Несмотря на то, что пришла она по делу, на хозяина домика девушка не смотрит, отворачивая взгляд, поскольку понимает, что и без ее рассказа старик знает все и о ней и о сне дающей ее сердечко печали. К тому же девушке страшно, она пришла просить того, о чем следует молчать, она пришла к старику за приворотным зельем, чтобы вернуть себе любовь возлюбленного.
Художник не показывает, выполнил ли колдун ее просьбу, но достоверно известно, что написанию этой картины было уделено немало сил и времени. В первом ее варианте девушка пришла вовсе не к колдуну, а к немецкому лекарю, но одна и та же сцена не вызвала у творца должного восхищения и он придумал уже известный облик полотна. Долгое время картина хранилась в частных коллекциях, после чего была передана в дар Радищевскому музею.
«Всадники» — относительно малоизвестная картина М.В. Нестерова. До недавнего времени картина оставалась неизвестной (по доступным изображениям можно судить, что она хранилась в сложенном положении).
Возможно, картина является эскизом к ненаписанному большому полотну. Об этом можно судить по некоторой свободе рисунка и непрописанности деталей, нехарактерной для других работ художника.
В основе сюжета – знаменитая Троицкая осада, одна из многих битв Смутного времени. Монументальност ь сюжета подчеркивается вертикальным форматом картины. В ее центре — монастырские башни, словно стремящиеся вверх. Это стремление вверх можно увидеть во всей картине, даже в небольшом деревце в нижнем углу. И эту монументальност ь перечеркивают три темных всадника на белых конях. Это старцы-схимники , посланные в Москву с вестью об осаде.
По одной из легенд эти три старца – ученики Сергия Радонежского, скончавшегося двумя веками ранее. Отчасти из-за этого ощущается некоторая нереальность происходящего. Враги видели лишь трех монахов на худых конях, несущихся, словно крылатые.
Белый цвет лошадей символизирует чистоту, правду. Нимбы над головами – святость. В этом одна из главных идей картины «Всадники».
Черные плащи – традиционное одеяние монахов. Их цвет входит в контраст с лошадьми и снегом, притягивая взгляд зрителя к главным действующим лицам полотна.
Нестеров нашел один из самых оригинальных и выразительных способов передать эту легенду. Для творчества самого художника композиция тоже достаточно необычна. Здесь нет крупных фигур на первом плане и бескрайних просторов. Возможно, это лишь часть огромного ненаписанного полотна.
В отличие от композиции, цветовое решение для Нестерова вполне характерно. Здесь много снега и сиренево-фиолет овых оттенков.
Михаил Нестеров прославился написанием многих ценных для русской культуры картин, но картина 1907 года «Наташа на садовой скамейке» особенна для автора. Уже из названия работы становится понятно, что автор испытывает к девочке особую симпатию и нежные чувства. И действительно это так, потому что это портрет Натальи Михайловны Нестеровой, дочери художника.
Наташа изображена на картине в легком летнем платье синего цвета, которое немного висит на девочке из-за ее детской худощавости, левое плечо у нее слегка оголено, она сидит на садовой скамейке в спокойной, где-то игривой позе в пол-оборота и читает книгу, наклонив голову и спустив свои не длинные кучерявые волосы.
Рядом с девочкой лежат летние цветы, которые она по-видимому собирала, а потом присела отдохнуть после летней прогулки. Она внимательно заинтересовавшу ю ее книгу и в тоже время прислушивается к звукам природы. Хоть девочка совсем юная, но в ней чувствуется сильная жизненная сила, буря энергии. Желтые цветы, что лежат на скамейке возле девочки, свидетельствует о ее тонкой нежной натуре и еще детском возрасте.
Заметно, как Нестеров ответственно подошел к написанию портрета дочери, создается впечатление, что автор очень боялся чем-то испортить картину или недоработать ее, очертания девушки выполнены очень аккуратно. Наташа символизирует молодость, доброту и детскую невинность, а природа как будто тянется к девочке, обретая самый привлекательный свой цвет, человек и природа кружатся в бесконечном танце жизни.
Не зря, некоторые поэты для передачи словесных эмоций от увиденной картины сочиняли стихи, ведь работа является живим источником вдохновения и говорить о прекрасной «Наташе на садовой скамейке» говорить простыми словами невозможно, это надо делать только на языке любви и стихов.
Творение русского художника Михаила Нестерова «Два лада», дает возможность о многом зрителю задуматься. Идея написания картины была навеяна стихами А.К. Толстого, кроме того автора всегда увлекала иллюстрация сказок. Художник затрагивает в своей картине такие темы как: любовь, верность, сказочная привлекательнос ть природы, красота русской души. Название произведения, походит с древнерусского языка, так как раньше «ладами» называли супругов.
На картине перед зрителем появляется молодая влюбленная пара, стоящая на берегу лесного озера, молодые люди смотрят куда-то вдаль, а они исполнены надежд и уверены в своем счастье. Впереди у них долгая счастливая жизнь, которую они проведут в большой любви и верности, несмотря на все трудности и врагов, которые им встретятся. Он обязательно станет для нее крепкой стеной, а девушка будет хранительницей домашнего очага. Символом вечной любви молодых людей, является изображение двух белых лебедей в озере.
Подкупает в картине и сказочная атмосфера Древней Руси, которая только подчеркивается национальными костюмами, в которых молодые смотрятся еще привлекательней и невинней.
Кроме идеи любви, Нестеров хочет показать зрителю красивую душу русской природы, привлекательнос ть которой и заключается в прозрачных озерах, больших лесах и высоких соснах.
В настоящем русском «пейзаже души», художник идеализирует природу и хочет показать единство человека и природы, что чаще всего происходит в отечественных сказках.
Кроме того, что картина дарит ряд позитивных эмоций от одного невооруженного взгляда, осмыслив главные идеи картины, зритель задумывается о ценности человеческих чувств, отечественной культуры и окружающей его природы, побуждает в людях чувство патриотизма, гордости за родную землю.
Достаточно часто живописец Нестеров обращался к религиозной тематике. Вот и тут он не изменил себе, а просто свои чувства спрятал под этим полотном.
Что это за свои чувства, спрашивается? Всё объяснимо: просто однажды художник влюбился, с первого взгляда, как удар молнии, как ураган страстей. И это было взаимно. И когда уж всё шло к свадьбе, ему вдруг было отказано.
Мало того, отказано было не при личной встрече, а банальным письмом. Это был удар и под впечатлением от этого Нестеров и создал это полотно. Хотя при чём тут отвергнутая любовь и образ монашек… Но он именно так и спрятал свои чувства. Он спрятал свою любовь под уход в монастырь.
На полотне процессия монашек на совершение пострига. Те на ком одет белый платок ещё не монашки, но они уже у самой цели. Одна из белоплаточковых идёт уверенно впереди и уже вся погружена в молитву, в свою жертвенность. За ней следом идёт другая девушка, но кажется что она ещё пока вся в миру, вся в страстях и в глазах ещё нет покорности судьбе.
А рядом женщина, которая уже давно покорилась судьбе и приняла постриг, а сбоку рядышком – девчушка, которой и мир пока не понятен, да и тут не всё ею принято и осмысленно. А за ними идут монашки разных возрастов, которые ведут под руки красивую статную женщину – это игуменья.
Мастерски изложен сюжет, мастерски представлен некий конфликт человека с природой. Вот посмотрите-ка, как здорово противопоставля ется весенняя природа и настрою людей. Но при этом это всё же реквием, художественный реквием по неудавшийся любви художника.
Нестеров счёл нужным именно так излить свои страдания и за это мы ему благодарны. Потому что получили истинный шедевр русской живописной школы, равной которой нет в мире. А по силе восприятия и вовсе бесценна, потому как только русский человек может понять русского человека: его отчаяние, его горе, его любовь.
Свою картину «Две сестры» художник изобразил в нескольких образах. Экземпляры образа под названием «В скитах», выполненные художником в 1915-1916 и 1922 годах, на сегодняшний день находятся в музеях Украины и Чехии.
Главные героини холста – это две сестры, взявшиеся за руки, которые идут по дворику скита. Сам двор расположился на речкой Волгой, вокруг него – деревянная оградка. В реке течет голубая чистая вода, окутанная легкой прозрачной дымкой воздуха. На дворе теплый май, трава уже сочная и светла зеленная. Она будто мягкий ковер расстелилась по двору скита. Сестры расположены в левом нижнем углу картины.
Одна из них одета в темные траурные одежды, на голове у нее обмотан черный платок. Сестра печальна, погружена в раздумья, и как будто не видеть наступившую вокруг живую весну. Другая же наоборот изображена в веселом праздничном светлом сарафане, на голове у нее яркий цветной платок, а в руке она держит букет из живых цветов. Она протягивает руку и как бы приветствует кого-то, с другой стороны. Ее переполняет любовь к жизни, веселье и радует наступившая кругом весна.
Художник на своем полотне изобразил две противоположные человеческие судьбы, два абсолютно разных мира: первый мир расположился в пространстве скита, он маленький и замкнуты, а второй – земной мир – он огромный и жизнерадостный. Свою идею художник ярко изобразил в одеяниях сестер. Это два совершенно контрастных наряда – траурный черный и весенний золотистый облик.
Картина полностью пропиталась весенними красками. От нее будто бы исходит дневной свет, свежий воздух, запах распускающейся природы и шум протекающей мимо реки. В своем холсте художник Нестеров великолепно сочетает цвета весны: светло зеленый, нежно-голубой, глубокий синий, небесно-розовый и персиков-золото й.
Михаил Нестеров известен своей религиозной живописью. Он учился в Императорской Академии художеств, а позже вступил в союз художников.
На горе стоит женщина. Внизу протекает река, которая олицетворяет человеческое начало. Взгляд ее какой-то таинственный и устремлен вдаль. На ней темный сарафан до пят, белая кофта и белый платок. А в чуть поднятой красивой руке держит букет цветов. Кажется, что она ведет молчаливый разговор. Она наслаждается красивым пейзажем. Стоя на горе, ей открывается великолепная природа тех краев. А душа ее страдает. В ней чувствуется что-то глубоко скрытое, тайное.
Художник изобразил внутренний мир девушки – чуткая, глубокая и женственная душа. Летняя природа особо удивительна и красива. Небо светло-фиолетов ое, такое низкое и глубокое. Луг покрыт зеленой травой, растут полевые цветы и деревья. Вдали виднеется большой лес. Природа как будто затихла. В этой картине человек и природа представлены как единое целое.
Идея картины «На горах» возникла у Нестерова после прочтения романов Мельникова-Пече рского. Там подробно описывалась жизнь нижегородских купцов-старообр ядцев. Возможно, он изобразил момент перед уходом одной из героинь в монастырь. Девушка понимает, что ее ждет постриг, произнесение обетов, облачение в рясу и монастырская жизнь. Выдержать испытание затворничества и одиночества не так-то просто. Но она сознательно идет на этот шаг.
Цвета на карты немного бледные. Зеленый цвет, который преобладает в этой картине, помогает нам объединиться с природой. Черный цвет платья девушки скрывает в себе подавленность и пустоту. Но в то же время белые элементы на одежде символизируют открытость, единство с природой и легкость. Художник досконально прорисовал каждый цветочек, каждую травку и деревце.
Весна 1902 г. ознаменовалась для художника Михаила Нестерова публичным обозрением его картины «Святая Русь». Здесь он хотел применить иконописный вид своей духовной практики.
Основой сюжета картины являются слова из Библии. На картине виден зимний пейзаж. Действие происходит на Соловках. Этюды, написанные художником, взяты из этих мест. Изображение Христа, которого окружили особо чтимые на Руси угодники. Они напоминают лики старых икон, на которых изображены: Николай Чудотворец, Сергий Радонежский, Георгий Победоносец.
Святых Нестеров изобразил слева, а справа народ, который пришел к Христу и его помощникам, чтобы покаяться и рассказать ему о своих бедах. Своих любимых героев: странников, монахов, девушек, детей, он писал с реальных лиц. Здесь есть даже сестра и его мать. Он их изобразил поддерживающими больную девушку.
Картина символизирует исконно православную веру. Только так люди разных времен смогут объединиться и спастись. Произведение рассказывает о временах, когда христианство только начинало зарождаться.
Поэтому храмом здесь отображена вся земля, в снежном убранстве лесов и полей, а не раззолоченная церковь. Критики обрушились на художника с огромной яростью. Они разгромили содержание картины в пух и прах.
По их мнению, в картине образ Христа и святых несут полное несоответствие официальной церкви. Так как Христос изображен в образе обычного человека.
Даже, по словам Льва Толстого образ Христа схож с итальянским тенором. Картину посчитали незвучной и неудачной. В картине художнику удалось запечатлеть свои чувства в отношении политики тех времен России.
Вся картина пронизана мотивами покаяния. И не случайно в 1905 г. Нестеров становится членом Союза русского народа.
У Нестерова замысел создания картины "На Руси" возник за 10 лет до ее написания и назывался изначально "Христиане". Автор в художественной форме размышляет о судьбах русского народа и своей страны. Недаром в сюжете мы видим перипетии, развивающиеся с древности и до современности. Здесь можем увидеть и раскол Руси, и Царя с Патриархом (интеллигенция и народ). Есть здесь и В. Соловьев, и Толстой, и Ф. Достоевский, и слепой солдат, и сестра милосердия. Но все они на фоне русского пейзажа к самому Богу, к Высшему идеалу народа идут Крестным ходом. Путь к Богу у всех свой, но в итоге, все в одном направлении движутся: одни это делают суетливо, в спешке, другие – медленно и уверенно. Кто-то впереди, а кто-то позади, один с радостью, не сомневаясь, другой серьезно раздумывая. А впереди такого разнообразного шествия выступает двенадцати летний крестьянский мальчик. По мнению художника, он является самым совершенным воплощением народной души.
Изначально мастер хотел написать Иисуса, ведущего толпу в Царство Божие. Но учитывая современную критику, отказался в последней версии от образа Христа но, его присутствие на холсте все же есть, хоть и в образе старого, поблекшего от времени Спаса.
Поэтому именно мальчик стал центральным идейным образом на полотне, подсознательно наводя каждого из нас на библейскую истину: «Как дети будете, в Царство Божие войдете». Этой картиной Нестеров, наряду с Достоевским и народной философией, пытался воплотить идею оправдания народных страданий во имя искупления как национальной особенности России. В картине присутствует мысль автора, что само внедрение на Руси христианства было этапом очень сложным и даже болезненным. Есть и доля сомнения: не специально ли заковали при помощи религии вольную душу русскую в «смирительную рубашку» …