Арт-Рисунок
Галерея изобразительного искусства: живопись, графика, скульптура, архитектура...
Картины — Ван Гог, Винсент Виллем
Винсент Виллем Ван Гог картины с описанием.
30.03.1853, Зюндерт близ Бреды — 29.07.1890, Овер-сюр-Уаз
Ван Гог Винсент, голландский живописец. В середине 80-х гг. выполнил серию картин и этюдов, написанных в тёмной живописной гамме и проникнутых горячим сочувствием к простым людям ("Крестьянка", 1885, Государственный музей Крёллер-Мюллер, Оттерло; "Едоки картофеля", 1885, фонд В. Ва́н Го́га, Амстердам). Ван Гог насыщал свои произведения эмоциональной психологической напряжённостью, болезненно-острым восприятием страданий и подавленности людей.
Биография: Ван Гог Винсент
Рейтинг
КомментарииОценить эту категорию
Рейтинг: 5 / 1 голос
Пожалуйста, оцените эту категорию
Powered by Phoca Gallery
Художественно-исторический музей Арт-Рисунок
Арт сайты
Кто на сайте
Сейчас на сайте 266 гостей и пользователей
|
|
|
|
Комментарии
«Белые розы» представляют позднее творчество Ван Гога, когда он близок был уже и к сумасшествию, и своей трагической смерти. Желая отдохнуть, он уехал из Парижа в предместья, где много писал цветы – на кустах, в вазах, без четкого фона – и розы, должно быть, попались ему на глаза случайно.
В картине очень мало цветов, это стразу бросается в глаза. Стол неопределенно-б елого цвета, тон которого изменяют падающие на него тени. Ваза зеленая, темного, насыщенного цвета. Стена – светло-зеленая, с вазой не столько контрастирующая , сколько продолжающая её перелив цвета. Сами розы разнородны, выглядят так, словно их собирали в разные дни.
Одни пышно-белые, только сорванные, яркие. Другие подвядшие, желтоватые, один такой бутон лежит на столе. Этот контраст, вместе с упавшими на стол лепестками, контраст между жизнью и смертью, а вернее, смертью и смертью, воспринимается немного даже жутковато.
Словно Ван Гог находил определенное удовольствие в том, чтобы составить вместе мертвые цветы, и словно бы сравнить их в написании, увядающие и полные призрачной жизни, желтые и белые, те, что скоро отправятся в компостную кучу и те, что перестоят их дня на два.
В этом противопоставле нии смертей есть что-то неестественное, что-то глубинно неправильное, и, возможно, в безобидном натюрморте скрыта борьба внутренних демонов художника.
Впрочем, столь же возможно и то, что Ван Гогу просто приглянулись цветы, контраст стены и вазы, и он написал их на скорую руку, не задумываясь о том, что через много лет потомки будут искать у его действий высший смысл.
Вряд ли он вообще предполагал наличие в будущем потомков, которые через много лет оценят его работы и будут анализировать их серьезно и вдумчиво.
Возможно, если бы он был в этом уверен, его жизнь закончилась бы иначе.
Полотно относят к одной из ранних работ Ван Гога. Картина, описывающая труд крестьян, была создана мастером в 1885 году. В указанный период художник боролся сам с собой: он жаждал освоить классические приемы и техники живописи, но недостаток образования стал преградой на пути. Эти неудачи болезненно отзывались в творческой душе гения. Труднее всему Ван Гогу давались фигуры людей. Неспособность изобразить на полотне человека вызывала раздражение и отчаяние.
Сложности с изображением человека давали о себе знать статичность образов, неловкостью их движений. Но в то же время фигуры, которых лишили динамики, превращались в частичку неодухотворенно й природы вокруг них, сливаясь с землей.
Эти особенности человеческой фигуры нашли свое отображение в облике крестьянина и крестьянки, занятых работой. Художник изобразил их наподобие двух скал. Они поражают своей мощью и крепкой связью с почвой, на которой стоят. Этот эффект только усиливается высоко расположенной линией горизонта, что было сделано художником намерено. Но в связи с землей и заключается суть крестьянской жизни: без земли крестьянина не существует – тогда он никто.
Даже тени, длинные и темные, выступают путами, которыми крестьяне привязаны к земле. Низкая линия горизонта только еще больше наклоняет фигуры, уменьшая расстояние до земли. Согнутые позы символизируют не низкое положение крестьян в обществе, а их уважение к кормилице земле.
Созданное в духе реалистичности, полотно не теряет свое цельности и глубоко смысла из-за легкой неловкости изображенных людей или неточности в их пропорциях. Композиция, как и цветовая гамма, находятся в гармонии, подтверждая правильность цветового решения.
Вся картина говорит о глубоком уважении художника к крестьянам и их труду. Монументальные фигуры, которые столь прочно стоят на земле, не позволят пропасть человечеству и человечности.
Подсолнухи — цветы, в которых Ван Гог нашел созвучие с собственной душой. В своей жизни он писал их много и с удовольствием, и лучшие его времена отмечены картинами с подсолнухами — яркими, живыми, наполненными силой и радостью.
В то время он жил в Арле, в маленьком желтом доме, беленом изнутри, и мечтал создать сообщество художников, творческую мастерскую, в которой, в атмосфере принятия и вдохновения, все могли бы творить, что захотят.
Первым, кто откликнулся на его идею, был его друг Поль Гоген, и, предвкушая его приезд, Ван Гог задумал украсить все подсолнухами. В то время они были на всех его картинах. Яркие желтые цветы, сильные и большие, стремящиеся за солнцем и засыпающие без него.
Однако, тот период счастья кончился быстро. У Ван Гога случился первый приступ безумия, его заперли в психиатрическую клинику, и, выйдя оттуда, он оказался опустошенным, несчастным и совсем нищим. За желтый домик было нечем платить, подсолнухи больше не радовали художника, и «Четыре увядших подсолнуха» написаны именно тогда. Они уже начинают подсыхать.
Болезненно изломанные стебли лежат в куче, лепестки съежились, цветы беспомощно глядят в разные стороны, больше не глядя на солнце. Эта картина показывает эфемерность жизни. Как легко сломать стебель подсолнуха, так легко сломать и судьбу человеческую.
Однако, подсолнухи спелые, а значит, ещё есть надежда. Семечки, заключенные в них, могут быть посажены и стать прекрасными цветами. Природа возьмет свое, старые подсолнухи возродятся в новых, и те вновь будут яркими, желтыми и радостными, будут поворачиваться в сторону солнца.
Ожидание этого сияющего будущего в картине не очевидно, но оно есть. Словно подбадривая самого себя, Ван Гог изображает цветы, которые, кажется, повержены, но могут скоро расцвести вновь. Жизнь эфемерна, но у неё нет конца.
И всегда есть надежда.
«Две женщины в лесу» относятся к ранним работам Ван Гога. И на них уже можно рассмотреть такие привычные очерки художника, которые сопровождали все его творчество. Ранние работы отличаются темными тонами, поисками истины, смысла жизни и начала всего живого.
Его работа «Две женщины в лесу» также выполнена в темных цветах, передающих мрак, опасность и одиночество осеннего леса. Женщины будто бы его неотъемлемая часть, темные, растерянные, заблудившиеся в своей жизни. Они расположены в самом центре композиции, поэтому сразу же приковывают к себе взгляд.
Их плащи выполнены в соответствующей цветовой гамме, однако они гораздо темней деревьев и всего остального. Именно контрастность этого приема заставляет зрителя сразу обратить на них взор. Одна из женщин стоит чуть поближе, полубакам к созерцателю. Она держит в руках какой-то сверток. Другая, развернутая спиной будто бы держит руки у лица.
Вокруг этих темных фигур густой лес. Настолько густой что ни видно даже проблеска неба. Кругом только ветви да деревья. При этом лес Ван Гог выполнил все в той же коричнево-зелен ой цветовой гамме, но гораздо более светлых оттенков. Лес будто бы изнутри наполнен солнечным светом и свежим воздухом. Покрытая золотом дорожка самое светлое пятно на всем полотне. Она будто бы символизирует наступление осени, осыпавшуюся листву. А осень пора тоски и печалей.
Вглядываясь в картину, можно сразу же заметить плотные рельефные мазки. Краска нанесена очень толстым слоем, и от этого создается впечатление объемности некоторых фигур. На картине практически нет тонких равномерных мазков, тонких очертаний и линий. Вся она выполнена густыми пятнами, сливающимися в единое целое золотисто-зелен ого леса. А желтая лесная дорожка — единственный путь домой.
Удивительные полотна рисовал ван Гог, но ведь его работы никто не покупал. По крайней мере, пока он был жив, его полотнами никто не интересовался. Жаль было ему, да и его друзьям, что такие красочные полотна никто не покупал. А ведь они были действительно красочны. Никто до сих пор не может понять, как он мог достигать таких красок.
Удивительно яркие, броские пейзажи, натюрморты, портреты и даже автопортреты никого не интересовали. Только после смерти спустя десяток лет к нему пришла слава и полотна стали раскупаться как орехи на рынке. А на аукционах его полотна уже продаются за многие десятки миллионов долларов. Думал ли ван Гог о таком успехе? Кажется, нет. Ну может быть мечтал. Благодарить надо тех, кто не дал этим полотнам исчезнуть в небытие, после ухода гения.
Вот это полотно – одно из самых ярких. На зелёном фоне среди тёмно-зелёных листьев красуются бутоны невзрачных розовых роз. Причём розового в них не так много, всего лишь несколько мазков. Бутоны раскрыты не все, мало того есть уже и завязшие бутоны, но это не делает полотно не красивым. Удивительно нет вроде ничего такого выдуманного вычурного – просто букет, который стоит в вазоне. Яркий насыщенный зелёный фон никак не заглушает розы, наоборот как-то даже выдвигает его вперёд, чтобы мы могли полюбоваться ими вдоволь.
Многих всегда мучает один только вопрос: как вот такие полотна могли не замечать? В принципе на этот вопрос есть ответ. Всему виной его репутация, а точнее его болезнь. Он был немного сумасшедший. Вот потому и яркие краски, немного странные пейзажи. Мешало именно это, боялись брать в дом полотна человека, у которого не всё в порядке с головой. Зато теперь никого это не смущает. Кстати, а вот это полотно специалисты оценили довольно-таки дорого и потому не каждому оно по карману.
Картина написана в 1885 году. У всех зрителей это полотно обязательно вызывает невероятно приятное и полное умиротворения чувство. Ван Гог изобразил традиционную картину, когда идет сбор урожая. Цвета немного утрированы. Живописец обогащает их и нарочито насыщает. В реальности они немного другие. Сближение изображения и объекта происходит на фоне максимально нежного по цвету неба, которое изображено в глубине.
Зритель видит сияющие поля, которые с нетерпением ждут, когда с них соберут урожай. Золотисто-желты й преобладает на этой картине. Он передает особое сияние и истинную радость.
Ван Гог говорил о том, что работать над этим шедевром было очень легко. Он писал на вершине холма, чтобы увидеть все происходящее с особой точки. Поля, виноградники предстают перед нами с высоты птичьего полета. Картина эта поистине бесконечна.
Все свои творения живописец писал необыкновенно страстно и при этом яростно. Мы ощущаем страстный темперамент художника, его стремление ощутить невероятную гармонию во всем и передать ее зрителям. Но также явственно чувствовалось, что живописец испытывает безотчетный страх перед силами, которые настроены враждебно по отношению к нему и человечеству в целом. Этим и объясняется такой избыток желтого разных оттенков, которым просто перенасыщены его полотна.
Пейзаж поистине напоен светом солнца, который придает ему невероятное очарование и особое тепло. Ван Гог обладал удивительным умением наполнить особой жизнью даже неодушевленные предметы.
Мы ощущаем особое видение мира. Оно не может не удивлять, а поэтому шедевры Ван Гога никто и никогда не сможет повторить. Он не просто мог запечатлеть свой оригинальный, непохожий ни на что другое, взгляд на мир, но и чудесным образом, навязать его всем тем, кто смотрел на его творения.
Картина «Цветущий сад» была создана непризнанным при жизни, но очень талантливым французским художником Винсентом Ван Гогом в 1888 году.
Из всех жанров изобразительног о искусства, французский постимпрессиони ст Ван Гог выбрал именно пейзаж. Он любил живую природу горячо и страстно, какой-то внеземной любовью, в отличие от большинства его современников. Природа стала его вдохновением и истоком его творчества.
Поэтому из-за своей внутренней оценки окружающего мира, привязанности и любви, Ван Гог смог написать изумительные шедевры полей, цветов, звезд и деревьев. Одна из таких картин – «Цветущий сад».
На этом полотне изображено изобилие различных цветов, рядами сияющих на картине как маленькие огоньки: красные, желтые, синие, оранжевые – практически все пространство картины усеяно ими. Сверху возвышаются дома и деревья, «обрамляя» сад, указывая, что бесконечное множество цветов все же имеет границы. Под зеленым деревом расположились самые любимые цветы французского художника – солнечные подсолнухи.
Краски, цвет, формы – на картине во всем чувствуется особенный язык Ван Гога, посредством которого он разговаривает с нами через свои полотна.
Его творчество – это настоящая эмоциональная стихия, имеющая необузданное озарение. Глядя на картину, художественная манера французского постимпрессиони ста иногда кажется хаотичной и спонтанной, на самом же деле в его картине все глубоко рассчитано и продумано.
Зритель, после просмотра данной картины чувствует тепло и умиротворение, изобилие ярких красок повышает настроение и заставляет увидеть красоту существующего мира — приятный, пышущий красотой сад никого не оставляет равнодушным. После просмотра данной картины, по примеру художника, также смотришь на природу с глубокой привязанностью и любовью.
«Вечером: конец дня» — одна из полутора сотен картин, созданных Ван Гогом в последний год жизни. Она написана под влиянием одноименной зарисовки Жана-Франсуа Милле. Только работая с черно-белыми набросками Милле Ван Гог в те месяцы создал двадцать три картины.
Художник не считал перенос рисунков Милле на дерево или холст копированием. Он называл это переводом на язык красок, впечатлений, светотеней.
Рассказывая о работе над картиной, Ван Гог говорил, что использует зарисовки Милле в качестве обычного жизненного сюжета. А затем начинается импровизация над светом. Отчасти свет, по словам Ван Гога, «припоминается» с оригинала. Подобное «припоминание» и есть авторская интерпретация картины.
Одной из центральных фигур творчества Ван Гона того периода был жрец. Мрачный Жрец, прерывающий привычный природный круговорот. На описываемой картине представлен скорее сеятель, закончивший работу и собирающийся домой.
Картина не является точной копией работы Милле. Взят только сюжет. Здесь совершенно другое поле, на земле лежат другие инструменты. Облик работника тоже отличается – мы видим обычного уставшего после долгого рабочего дня человека, пытающегося натянуть потрепанную куртку и еле попавшего левой рукой в рукав.
При работе с подобными черно-белыми репродукциями, художник не только разрабатывает уникальную цветовую гамму. Он также выделяет формы. Как и при работе с реальными моделями, он ищет «узловатые и широкие линии».
Сам Ван Гог считал, что подобное копирование может принести больше пользы, чем его собственные занятия живописью. Известно, что за всю жизнь ему удалось продать лишь одну картину. По иронии судьбы, век спустя его картины уходят за десятки миллионов долларов.
Полотно входит в постоянную экспозицию известной японской художественной галереи Менар.
Винсент Ван Гог представитель постимпрессиони стской живописи. Это направление отличилось своим стремлением изображать сущность действительност и, закономерный элемент окружающей среды, и общественное состояние жизни в целом. Художник работал в этом стиле, потому что ему близка творческая техника изображений и стремление к превосходству.
Пражский период жизни позволил художнику создать очередной шедевр «Ваза с цветами кофейником и фруктами», выполненная в жанре натюрморт. Работа наполнена яркими красками, палитра художника словно оживилась светом и радостью. Из технических рисунков постепенно исчезает землистый оттенок, который придает картинам печальный облик. «Ваза с цветами кофейником и фруктами» выражает нотки умиротворенност и и покоя, которые появляются вследствие давления импрессии.
Художественное произведение Ван Гога можно рассматривать, как общее изображение предметов, так и каждый образ по отдельности. Точные черты вазы, яблок и кофейника гармонируют между собой. Художник изображает реальную обстановку, которая может встретиться у каждого в доме. Он не отходит от правильности натюрморта, но добавляет мотив действительност и и постоянства существования предметов.
Анализ творчества живописца, отмечает, что публика не могла принять некоторые его работы. Наверное, произведения Ван Гога казались необычными, и в какие-то моменты подозрительными . Автор был в отчаянии, и впал в депрессию. Именно такая ситуация привела художника к расцвету творчества. Преодоление кризиса повлекло за собой новый путь в живописных произведениях. Основной стороной в рисунках Винсента Ван Гога стало изображение реальных образов, но в произвольных цветах. Талант у художника не отнять, поэтому деятельность Ван Гога нашла своих приемников и ценителей в будущем.
Винсент Ван Гог — нидерландский художник с очень печальной судьбой. За свою короткую жизнь он успел все и одновременно ничего. Во время творческого пути он не смог заслужить уважения у коллег, заказчиков и оставался не востребованным до конца своих дней. Зато после смерти Ван Гог завоевал признание и славу. Он прославился на весь мир как импрессионист, хотя неоднократно отвергал это суждение.
На сегодняшний день он является одним из самых узнаваемых художников, наряду с Пабло Пикасо. Ван Гог оказался очень плодовитым автором, после себя он оставил огромное творческое наследие и множество последователей. Картина «Цветущие ветки миндаля» (Миндальное дерево в цвету) была одной из последних его работ. Художник написал её зимой 1890 года, после того как его брат Тео сообщил ему о рождении племянника.
Картина является символом и несёт в себе глубокий подтекст. Ветви миндаля цветут очень рано и, по замыслу автора, они обозначают начало новой жизни.
Ван Гога всегда использовал колоритную цветовую гамму и живую композицию. Данное полотно примечательно тем, что выполнено в манере несвойственной художнику, а цветовое решение достаточно ограничено. Жёлтый цвет, который характеризует Ван Гога отсутствует. Бирюзовое небо выглядит ярко и беззаботно, ни одно облачко не омрачает этот прекрасный весенний день.
На эффектном фоне цветы, предвестник весны, тепла и радости жизни. Не совсем ясной остаётся композиционное решение: это часть букета на ярком фоне или ветви дерева, проплывающие над бескрайним небом. Все пространство картины занимает миндаль, так мастерски написанный Ван Гогом.
Художнику удалось выдержать ритм полотна. Ясно видна выдержка, самодисциплина и чёткость линии, свойственной только Ван Гогу. В своём письме к брату Ван Гог говорил о том, что это первая его работа, которой он по праву гордится.
Знаменитый нидерландский художник написал эту картину осенью 1888 г., когда жил во французском городке Арле. В основу сюжета было положено реальное жилище художника и его давняя мечта об особенной творческой мастерской. Само здание, расположенное на центральной площади городка, было довольно ветхим, однако, несмотря ни на что, вдохновляло Ван Гога.
Арендовав жилище, художник покрасил его стены, после чего торжественно именовал Жёлтым домом. Этот цвет имел особое символическое значение для художника, а кроме того, ассоциировался с солнечным светом и летним теплом, вызывая желание жить и творить. Долгое время Ван Гогу не хватало денег, чтобы купить мебель для нового дома, но этот факт не уменьшал его воодушевления и надежды. На всех картинах того периода любой дом изображался в жёлтом цвете.
Давней и сокровенной мечтой Ван Гога было создание союза художников, который он называл «южной мастерской». Замысел заключался в том, чтобы создать уникальную колонию художников, где они могли бы жить под одной крышей, обмениваться идеями и свободно творить искусство. Ваг Гог мечтал, что в его Жёлтом доме каждый предмет будет особенным и вдохновляющим.
С ноября по декабрь 1888 г. в гостях у Ван Гога жил его друг, французский художник Поль Гоген. Картины, созданные в этом доме двумя небогатыми творцами, после их смерти были признаны мировыми шедеврами.
Картина, изображающая Жёлтый дом в Арле, написана маслом на холсте в духе привычного для Ван Гоа стиля постимпрессиони зма. В работе сочетается реалистическое изображение с глубоким подтекстом, выражающим неизменное, сущностное состояние жизни. Жёлтый дом стал для художника источником вдохновения и особым знаком. Картина наполнена светлыми надеждами и воодушевлением, символизируя самые важные мечты своего создателя.
Первый вариант
Второй вариант
Третий вариант
Во время пребывания в Арле Ван Гог нарисовал свою спальню. В течение нескольких дней он болел и был прикован к кровати, чем и объяснил свое желание нарисовать именно эту комнату. На самом деле существует три версии картины.
Первую версию картины художник написал в 1888 году и отправил эскиз своему брату. Ван Гог хотел, чтобы картина оказывала успокаивающее действие. Специально для этого нарисовал стены бледно-фиолетов ыми. Деревянная кровать и стул желтого оттенка, который являлся любимым цветом Ван Гога, а покрывало алого цвета. При изображении окна использован зеленый цвет, а сами ставни закрыты. Этими разными цветами он хотел выразить абсолютный покой. В настоящее время эта картина находится в музее Ван Гога в Амстердаме.
Однако полотно, которое находилось у брата Тео, было повреждено во время наводнения. Именно поэтому Ван Гог нарисовал вторую копию картины. Хоть все предметы сохранили свое месторасположен ие, некоторые цвета были немного изменены. С 1926 года картиной владеет Художественный институт в Чикаго.
В 1889 году нарисовал уменьшенные копии своих наиболее получившихся работ. Третью копию «Спальни в Арле» он подарил сестре. А с 1959 года картина находится в музее Орсэ в Париже.
В работе использованы яркие и смелые цвета. Необычным аспектом картины является искривленное изображение спальни, что делает ее уникальной и легко узнаваемой. Через цвета и способы нанесения краски Ван Гог выразил характер и эмоции.
Возможно, изображение спальни передает чувство благополучия и хозяйственности в собственном доме. Прочная и простая с виду кровать олицетворяет собой спокойствие и защищенность. А четкие контуры вызывают ощущение устойчивости и стабильности.
Хоть работа не была признана при жизни художника, она оказала большое влияние на следующее поколение художников.
Набросок картины «Звездная ночь над Роной» был написан Ван Гогом в 1888 году, а сама картина была закончена и выставлено в 1889 году.
Картина маслом написана крупными мазками и основными ее цветами являются множественные оттенки синего и желтого, переходящих то в бледно голубой, то в зеленовато-брон зовый, то в ярко-золотой.
Что же запечатлел автор картины на своем холсте? Во-первых, это само ночное звездное небо, на котором мы легко найдем ковш Большой медведицы и Полярную звезду, что позволяет понять, откуда был взят этот пейзаж. Темно-синее по краям оно становится светло-голубым посередине. Желтовато-белые звезды сверкают, напоминая небольшие вспышки фейерверков, и окружены белыми с оттенками зеленого ореолами.
Следующий элемент композиции – противоположный берег Роны, на котором построен синий, почти сливающийся с небом, город, фонари которого светятся насыщенным желтым цветом. Находясь рядом со звездами, они создают очень сильный контраст бледно-желтым звездам. Свет фонарей падает на всю поверхность реки, приобретая золотистый и зеленый оттенки.
Все внимание при первом взгляде на полотно приковывает к себе небо и река с яркими фонарями, и лишь затем его удостаивается ближайшая к зрителю часть картины. Скромно гуляющая, скорее всего пожилая пара, под руку гуляет вдоль Роны, а два небольших судна спокойно стоят у самого берега, добавляя еще больше умиротворения и гармоничности картине.
Очень любящий подобные ночные пейзажи художник любил мечтать и утопать в своих мыслях, глядя на звезды. Его тянуло к ним, он был очарован их красотой и недоступностью. В раздумьях о жизни и смерти, о недосягаемости этих маленьких ярких точек и родилось в нем желание передать те же эмоции и ощущения, которые рождали в нем прогулки под открытым небом. И сегодня, спустя больше века, мы также восторгаемся красотой ночных пейзажей на его картинах.
Впоследствии великий, а при жизни совсем не ценимый соотечественник ами художник Винсент Ван Гог продал всего одну картину, стоимость ее равнялась 400 франкам, что для бедного нищего художника было целое состояние. Проданная картина носила интригующее название – «Красные виноградники в Арле» и на сегодняшний день цена на это полотно превышает 90 миллионов долларов.
История картины такова:
Совсем не пользуясь успехом у критиков и местной публики Ваг Гог не отчаивался, а продолжал писать картину за картиной, в надежде, что следующее полотно обязательно принесет удачу и славу. Но этого не происходило и полотна копились в его убогой квартирке, а он все рисовал, причем предпочитал рисовать с натуры, совершенно верно полагая, что после прихода домой многие краски сотрутся из памяти и их уже будет сложно восстановить.
Однажды, в году 1888, Ван Гог как обычно отправился рисовать на природу, возвращался, он только к вечеру, потому его возничий не спешил за ним приехать. А когда телега все же покатилась по направлению к дому, Ван Гог вдруг увидел заходящее солнце, которое своими лучами осветило ближайший виноградник, превратив виноградные листья в бушующее красное пламя, а людей и землю вокруг в фиолетовые и синие точки. Небо же стало совершенно желтым.
Немедленно приказав вознице остановить лошадь, художник слез с телеги и начал рисовать пейзаж, стремясь запечатлеть тот миг, который так поразил его воображение. Так родилась картина «Красные виноградники в Арле». Критики и люди, не интересующиеся творчеством художника, стремились осмеять эту картину, сказать, что все на ней неестественно, хотя, что может быть красивей и естественней простого крестьянского труда в лучах вечернего заката.
На картине от солнца исходят зеленые и желтые блики, которые превращают листья винограда на первом плане картины в багровое зарево. Земля же делается иссиня черной, почти фиолетовой, такой какой ее увидел взор художника. Тем, кто продолжает утверждать, что это неестественно, просто иногда нужно выбираться из дому и любоваться закатом, который придает всему окружающему неповторимое волшебство.
В 1888-1889 году Ван Гог проживал в южной части Франции в городке Арль. Именно там художник вдохновлялся прекрасными пейзажами. Прогуливаясь октябрьским днём в окрестностях монмажорского аббатства он наблюдал, как местные жители собирают спелый виноградник цвета красного вина. Буйство красок южной осени и символичность сбора урожая настолько впечатлило Ван Гога, что в течение всего лишь месяца была создана одна из известнейших работ автора «Красные виноградники в Арле».
Сбор урожая виноградника символизирует расцвета и заката природного цикла. Для Ван Гога солнце является источником жизни и расцвета, а знойное полуденное солнце наполненность и закат. В круговорот мироздания вплетён и человек, постигающий её ритм в труде и постоянном движении. Визуально картина разделяется на два равнозначных плана. На первом изображены люди, собирающие виноград, а чуть дальше можно разглядеть фигуру человека на телеге и деревья.
Кажется будто бы под раскалённым солнечным диском тает всё: люди и виноградник сливаются вместе, вплетаясь в тонкую канву мироздания. Эффект слияния создаётся за счёт особой техники наложения мазков, столь характерной для творчества этого художника. Невероятная цветовая гамма, ставшая одной из отличительных черт творчества Ван Гога, наполняет картину жизнью и внешним светом. Автор не смешивает краски, пользуясь техникой наложения контрастных мазков, большинство из которых принадлежат к тёплым тонам и только изредка попадаются холодные лиловые тени.
Особенности написания картины отражают увлечения молодости Ван Гога, когда он, работая банковским служащим, скупал картины понравившихся художников и имел обширную коллекцию работ импрессионистов.
По окончании работы полотно было успешно продано художнице Анне Бош. В последствие её приобрёл коллекционер Сергей Щукин. В процессе национализации картина была изъята и помещена в Музей новой западной живописи, из которого «Красные виноградники в Арле» переместили в Пушкинский музей, где она находиться и по сей день.
Холст «Лодки в море» был написан выдающимся художником девятнадцатого века Винсентом Ван Гогом в 1888 году. В настоящее время эта изумительная картина, написанная маслом в традиционном стиле автора, хранится в Государственном музее изобразительных искусств имени Александра Сергеевича Пушкина.
Работа выполнена в технике импасто, богатая фактура изображения позволяет ее автору еще ярче и выразительнее передавать наблюдателям смысл, зашифрованный в полотне.
Картина демонстрирует незамысловатый морской пейзаж. На первой план художник помещает огромные, кипучие, непокорные волны, которые беспрерывно вздымаются над водной гладью. Это говорит о том, что полотно изображает, не только бурю и шторм, но и влияет на настроение наблюдателей, излучая беспокойство и нервозность. Этому способствует и контрастная цветовая гамма, которая подобрана для изображения неспокойной воды.
Ван Гог представляет бушующие волны густыми серо-голубыми, свинцовыми, зеленоватыми, оливковыми и янтарными мазками. Эта часть занимает самое большое пространство холста. Она символизирует неблагоприятным период в жизни мастера, мы сложно ощущаем его тяжкие сомнения и скитания.
На полотне написано несколько лодок с парусами, они плавно движутся к горизонту между жемчужным небом и лавандовой гладью воды. Словно стайки птиц эти деревянные машины легко преодолевают водные пространства в незримом строю. Кажется, будто все они устремлены в одну точку. Такое расположение дает основания предлагать, что художник хотел показать, что, несмотря на все жизненные трудности, он все равно идет к намеченной цели.
Маленькие кораблики в данном случае олицетворяют этапы или шаги на пути к достижению этой указанной незримой и желаемой точки, скрытой где-то за горизонтом.
По словам самого Ван Гога, картина «Ночное кафе» была создана, с целью передать эффект взгляда на окружающую обстановку общественного заведения глазами пьяного человека, чьи мысли, понимание происходящего и рассудок замутнены непробудным пьянством.
Картина была выполнена на промышленном загрунтованном холсте. На картине изображен интерьер кафе. Акцентом центрального фона является занавески, небрежно нарисованные легкой рукой Ван Гога. Эта небрежность всех линий и дает ощущения легкого опьянения, и даже некого головокружения.
Удивительно точно передал художник, то чувство, которое испытывают и посетители, так же изображенные на холсте. Пять клиентов, которых по разным причинам судьба завела в это ночное заведение, расположились за столиками вдоль стен. Столы расположены таким образом, чтобы официант в белом костюме без проблем смог обслужить каждого из посетителей.
На картине невозможно увидеть ни четких очертаний лиц посетителей, ни линий интерьера. По видимому то же самое видят и те, кто решил в эту ночь посетить кафе.
Центр картины — бильярдный стол, к которому в эту ночь не спешат подходить посетители, чтобы сыграть партию. Очень много спиртного изображено на заднем плане картины. Видимо этим, Ван Гог дает еще раз прочувствовать цель прихода людей в это кафе. Ван Гог изображает эту картину глазами посетителя, сидящего в самом конце зала, и наблюдающего за всем, что происходит в этом «затуманенном» помещении.
Преобладание зеленого цвета в картине не случайно. Именно такой оттенок зеленого, что дает ощущение саморазрушения и одиночества. В то же время яркие красные стены дают ощущения беспокойства, страха и тревоги, о которых вскоре на время забудут несчастные посетители.
Ночное кафе Ван Гога — место, где каждый сможет залить свои невзгоды рюмкой, другой дешевого и не очень коньяка или виски. Причем, каждый клиент, изображенный Ван Гогом, по всему видимому имеет свою определенную историю жизни, кардинально отличающуюся от истории другого посетителя, волею судьбы оказавшегося в эту же ночь в ночном кафе.
Художник Винсент Ван Гог написал большое количество картин, озаглавленных просто — «Автопортрет». Среди такого обилия изображений известного творца мы остановимся на автопортрете 1887/88 года, написанного маслом по холсту в Париже.
Перед нами лицо мужчины, перевалившего за пределы зрелых годов. Глаза его чёрные, несколько напуганные и немного озабоченные чем- то увиденным или переживаемым. Борода на нём — рыжая. Черты лица несколько худощавые, нос довольно большой.
Очень много мимических морщин на лице художника, особенно чётко видны межбровные складки, свидетельствующ ие о том, что автор хмурился в процессе написания данной работы. Рот его слегка приоткрыт в обессиленной рассеянности.
Общее ощущение от портрета — болезненное. Волосы на голове мужчины светло-рыжие и зачесаны назад, очень хорошо прорисовываются на лбу залысины и мешки под глазами. Лицо напоминает окраску выцветшей осенней листвы, кожа лба — бледная. Одно ухо аккуратное и видно очень хорошо в своей округлой форме, другое — оттопырено, но за счёт полуоборота головы — остаётся невидимым для невнимательного зрителя.
Шея художника короткая и весьма тонкая. Белая рубашка застёгнута на верхнюю пуговицу, отвороты коричневого пиджака располагаются близко к шее и украшены мелкими полосочками цвета охры. Вся картина несколько рябит, как старое чёрно-белое кино и создаёт в нас чувство того, что мы лицезреем некую хронику, чуть ли не увядающей личности.
В картине преобладает рыжий, коричневый, охровый, чёрный и зеленоватый, с жёлтыми прожилками — цвета. Кистевая техника мазка довольно крупная, таким образом, полотно больше походит на панно, выполненное из воска или цветного пластилина. Несмотря на то что автор — признанная личность, картина выглядит довольно посредственно.